PFOAC accueille une exposition commissariée de Matthew Sanderson dans le cadre d'ART MATTERS - le festival des arts visuels du premier cycle de l'Université Concordia.
ARTISTES PRÉSENTÉ(E)S:
Aja Palmer
Quang Hai Nguyen
Jay Krakower
Jennifer Lee
Le Lin
Dear family: twenty years was just yesterday
Cette exposition est composée d'un corpus aux multiples facettes de cinq artistes, dont chacune est une sorte de confession. La douleur, la confusion et l'inconfort, jaillissant de l'intérieur, des paroles dérobées, des non-dits à celles qui nous ont fait du mal. Chaque œuvre parle du sentiment d'être déplacé.e, perdu.e, voire incompatible avec le monde étrange dans lequel nous nous trouvons. Au fur et à mesure que le temps avance à un rythme linéaire et que nous nous trouvons à l'aube de l'âge adulte, la peur, l'évitement et la culpabilité peuvent refaire surface sous la forme de déambulation et de stagnation censément perpétuelles. Les traumatismes infligés dans l'enfance peuvent se manifester par des relations contraintes, tendues et séparées avec les membres de notre famille, dans lesquelles la distance, à la fois, réelle et imaginaire peut nous empêcher d'exprimer ce que nous ressentons réellement.
Cette exposition interdisciplinaire propose la création artistique telle une source de catharsis, d'expression de soi et de clarté. Parmi les cinq œuvres incluses, des thèmes communs tels que l'habillement, l'espace, le paysage, le corps, la migration et les rituels quotidiens émergent, à travers des médiums tels que la peinture, la photographie, la sculpture, la vidéo et les livres d'artiste. Au cœur de chaque œuvre se trouve l'incarnation du soi de l'artiste, soit directement représenté.e, soit obliquement indexé.e à travers une silhouette, une absence ou un motif récurrent. De plus, plusieurs œuvres se heurtent à ce sentiment d'antagonisme dans un contexte d'identité queer, méditant ainsi sur le profond sentiment d'altérité qui émerge lorsque l'hétérosexualité est majoritairement et acerbement la norme. Ensemble, les œuvres mettent en lumière la manière dont les relations tendues avec notre famille ou notre corps se manifestent à l'âge adulte, conduisant dès lors à un sentiment fondamental de dissociation avec le monde environnant. Le but de cette exposition est de considérer cette dichotomie hésitante entre présence et absence de soi, ainsi que sa relation à la médiation d'expériences anguleuses et affligeantes du passé.
Chaque pièce est une confession de vérité intime et profondément innée; ensemble, elles émergent telle une lettre collective, dans laquelle le.la destinataire est un espace vide, pouvant être occupé par un.e membre éloigné.e de la famille, ou une version passée de soi-même. - Matthew Sanderson, commissaire (traduction en français: Sayaka Araniva-Yanez)
Présentation des projets par artiste
Aja Palmer, This is Where, vidéo, audio, enregistrement d'écran, photographies.
This is Where explore les espaces où certains événements se sont produits (ou certaines choses ont été dites ou ressenties) en relation avec ma relation à distance avec mon père. Dans mes projets précédents et dans celui-ci, j'ai cherché à utiliser mon expérience personnelle et ma relation difficile avec mon père pour aborder des thèmes plus larges tels que la migration, les relations parentales, la maladie mentale et les abus - tant émotionnels que sexuels - ainsi que les sentiments de deuil, de nostalgie, de tension et de colère. Il s'agit d'un point de vue très personnel sur le processus d'acceptation d'un traumatisme. C'est une façon pour moi de m'exprimer à travers ces souvenirs et d'utiliser les fortes émotions que je ressens envers mon père, qui ont été exacerbées par la distance qui nous sépare. En juxtaposant une variété de clips vidéo, de messages audio, de photographies et de textes, j'espérais transmettre la nature écrasante des souvenirs/pensées qui surgissent dans mon esprit et les émotions contradictoires qui accompagnent le souvenir de certains moments. À l'aide de Google Maps, j'ai choisi de montrer des espaces spécifiques où des moments importants et banals se sont produits entre mon père et moi. J'utilise des photos et des vidéos d'enfance pour dépeindre des moments joyeux et d'autres plus difficiles. En utilisant différentes manières d'explorer l'espace, cela démontre de manière tangible la distance que j'ai ressentie entre moi et mon père, tout en espérant que cela se connecte aux récits personnels et aux luttes des spectateurs. L'œuvre culmine dans le récit brut d'une vérité qui a été supprimée pendant bien trop longtemps. Les autoportraits présentés ici sont une façon de décrire mon état mental lorsque j'essaie d'accepter ce traumatisme. Pendant des années, ils ont été pour moi un outil d'expression, cette pratique agissant presque comme une forme de thérapie.
Quang Hai Nguyen, to : the moon, série photographique en cours.
Il y a une sorte de sentiment d'impuissance lorsqu'il s'agit d'essayer de comprendre, de manière générale, le sens de notre existence. Sachant que tout ce que nous construisons et chérissons aura un jour une fin, nous finissons par nous demander constamment pourquoi quelque chose vient et disparaît soudainement à n'importe quel moment de notre vie. Personnellement, j'en viens à me sentir accablée et encore plus effrayée par la conscience de notre disparition que par la mort elle-même. Alors que nous cherchons désespérément une réponse ou des moyens de faire face à la peur d'être laissés seuls, to : the moon est une conversation visuelle continue vers mon anxiété de notre futur inévitable et un rappel à tous, y compris moi-même, que nous sommes et serons toujours aimés, peu importe les distances qui nous séparent.
À travers le monde intérieur des rêves, ce projet se déroule dans un monde réimaginé du paysage inconnu et toujours plus grand qui nous entoure. Alors que ces images révèlent le cycle sans fin de la vie et de la mort, la nature se manifeste sous forme de figures symboliques imitant l'état fragile et solitaire de notre être. Alors que nous devenons lentement de petites traces du temps, je souhaite désespérément un avenir dans lequel nous pourrons tous, d'une manière ou d'une autre, être à nouveau réunis.
Jay Krakower, Mon corps et les vêtements
Les vêtements jouent un rôle important dans la vie d'une personne obèse. J'ai toujours eu du mal à trouver des choses qui me vont bien. À travers trois aquarelles, je permets au spectateur de me voir enfiler des vêtements et une serviette, lui faisant vivre une expérience intime avec mon corps pendant que je le regarde. Les articles représentés sont un sweat-shirt, un pantalon et une serviette. Ce sont tous des vêtements importants qui symbolisent ce qui est le plus confortable, le sweat-shirt, ce qui est le plus difficile à trouver, le pantalon, et un besoin fondamental qui ne convient pas, la serviette. Au fur et à mesure que j'interagis avec les objets, il devient clair pour le spectateur qu'il se trouve dans mon espace et qu'il participe à mon expérience. Les espaces représentés sont des endroits de mon espace de vie actuel où j'ai passé beaucoup de temps en raison de la pandémie. Le désordre et le désordre sont prédominants dans ces espaces car je lutte contre la dépression. Les vêtements sont une nécessité pour pouvoir fonctionner dans notre société, mais pour les personnes obèses, ils sont largement inaccessibles.
Jennifer Lee, The Pleasure Dome, fil, rembourrage
Inspiré par la notion d'outil et/ou de jouet, le Pleasure DomeTM s'inspire des jouets colorés pour enfants et de la normalisation des jouets sexuels pour tous les genres, toutes les sexualités et toutes les orientations sexuelles. Premier sex toy conçu pour la tactilité et le toucher, le Pleasure DomeTM est une balle anti-stress, ou peluche sexuelle pour les mains. En offrant des formes de confort que les individus peuvent tenir et caresser, ce jouet remet en question l'idée de ce que peut être un "jouet sexuel" et la façon dont nos corps (et quelle partie de nos corps) peuvent interagir avec lui. Inspiré également par la conception de produits, le Pleasure DomeTM est un concept complet et un produit commercialisé, incluant un catalogue de jouets pour que vous puissiez commander votre propre jouet. Parce que chaque individu a des préférences et des désirs uniques, ce produit vous invite à construire votre propre jouet personnalisé pour vos besoins et vos désirs.
Le Lin, "我只穿了一条短裤 / Je ne portais qu'un short" et "回味 / Aftertaste", Ensemble de deux livres. 5 ¾" × 8"
Livre : Impression jet d'encre Epson 7900, sérigraphie sur papier Yasutomo 6MMU Shoji, papier Nepal Light et papier Cromatica Translucent. Ensemble de deux livres 5 ¾ po × 8 po. 2019.
J'ai consacré le mois de septembre 2019 à venir à bout de questions sans réponse : Quelle est la relation entre mon corps queer et 潮州 / Teochew ? Jusqu'où puis-je remonter dans le temps pour retrouver mes ancêtres ? Comment puis-je savoir si j'ai atteint une destination ? Quelles discussions peuvent être soulevées par les récits intergénérationnels ? Comment les souvenirs se propagent-ils et affirment-ils notre compréhension les uns des autres et de l'esprit ? Comment les sens en dehors des cinq idées préconçues mettent-ils en œuvre les sentiments diasporiques ? J'ai exploré ces questions tous les jours, et mon processus est devenu un acte de guérison, un rituel de soins.
Le rituel : tous les mercredis à 7 heures du matin, je rassemble mes pensées et je peins somatiquement une calligraphie chinoise sur mon corps avec des mots soigneusement choisis. Mon ami et photographe Peniel Hong me rend visite chez moi et documente ce rituel d'une à deux heures. Je fais d'abord quelques essais sur du papier journal avant d'encrer mon corps, et après la performance consistant à mettre des mots sur mon corps, je remplis ma baignoire d'eau et lave l'encre avant de m'habiller et de commencer ma journée.
Deux livres ont été créés pour documenter le processus : "我只穿了一条短裤 / Je ne portais qu'un short" capture la calligraphie et la recherche. "回味 / Aftertaste" documente la baignade et la prose libre.
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La galerie remercie Joyce Joumaas, coordonatrice d'Art Matters 2021, de nous avoir offrir la possibilité de contribuer au rayonnement de cet extraordinaire festival initié par les étudiants du premier cycle de l'Université Concordia et à Camille Emmanuelle Legault, coordonatrice technique pour son appui.
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HEURES D'OUVERTURE
La galerie est ouverte au public les
MERCREDI : 12h à 17h
JEUDI : 12 h à 17 h
VENDREDI : 12 h à 17 h
SAMEDI: 12 h à 17 h
Nous limitons à 6 personnes à la fois en raison de la pandémie le nombre de visiteurs. Nous vous demanderons un numéro de téléphone que nous garderons pendant 14 jours à des fins de traçage, si nécessaire.